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楼主: shitu

品鉴

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 楼主| 发表于 2017-3-2 07:37:47 | 显示全部楼层

历久弥新源自“中国制造”(品鉴)

本帖最后由 shitu 于 2017-3-2 07:39 编辑

      
  图为《图兰朵》剧照。
  王小京摄

  意大利歌剧《图兰朵》是西方概念的中国故事,国家大剧院开业之初立其为第一部自主制作的世界经典。2008年3月全球首演,此次演出已是第九轮。历经市场检验,票房与现场“热度”仍在升温,正式开演前十天,五场演出票基本售罄,首场演出更是一票难求。

  本轮公演仍分为两组阵容,国际(A)组与国内(B)组的最大区别,只限于男女一号两个角色。A组图兰朵饰演者为美国女高音歌唱家莉丝·林斯特罗姆,卡拉夫饰演者为意大利男高音歌唱家马可·伯帝;B组则由中国女高音歌唱家孙秀苇和中国男高音歌唱家莫华伦担纲。其他角色全部是清一色的中国面孔、华人演员。在世界歌剧舞台上,如此“中国化”的成色并不多见。重点在于,无论是与外国演员同台合作,还是由全部华人集结联袂,中国演员基本都能自然地与“外援”平分秋色且毫不逊色。

  国家大剧院版的“中国特色”,最大亮点是中国作曲家郝维亚续写的尾声,音乐为版本打上了非常醒目的中国印记。陈薪伊导演的“中国式解读”也显了神效。她以音乐对《图兰朵》的戏剧逻辑与情感脉象,予以深度挖掘与精妙阐释。原作最后柳儿以死殉情,而后王子强吻征服公主,对于这一结局,相当比例的中外观众是难以接受的。经陈导的一步步调试调整,对表演的独特处理、对角色的明确要求,一点点弥合裂纹、填补空洞。那种无法言说的突兀生硬终于成功化解,越来越合乎情理、顺理成章。卡拉夫无畏而炽烈的爱诚然具有融化、征服图兰朵的魔力;柳儿无私而纯洁的爱更富于点化、说服图兰朵的神力,最终公主人性复甦爱情觉醒。

  图兰朵公主和卡拉夫王子,两位中国演员在年龄上皆长于两位外国演员,早在2008年3月和8月已先后担纲女一号和男一号。在声音上,现在的孙秀苇和莫华伦可能不如莉丝和马可那么有张力、有弹性、有光彩,但在音乐处理、塑造人物、刻画内心等方面却能以其丰富的经验、深入的理解显出优势与魅力。在独角戏、对手戏中,中国组的公主和王子,表演细腻自然生动,别具意韵更胜一筹。

  两位“外援”的实力与魅力毋庸置疑,莉丝声音的戏剧性表现相当充分,第二幕的图兰朵咏叹调“很久以前绝望的救命声”唱得颇具光彩。马可天生一副令人艳羡的美妙歌喉,他的演唱兼备抒情性的柔曼与戏剧性的强悍,漂亮而有力的高音毫无阻碍负担,著名咏叹调《今夜无人入睡》唱得通透明亮犹如金角般的辉煌,令全场观众热情高涨。两位世界级好演员均为第一次进入“柳儿之死”后18分钟的“中国式”新版原创音乐表演,倾情入戏令人感佩。

  “第一柳儿”的美称,幺红当之无愧。从1995年中国舞台第一版《图兰朵》唱到现在超过110场。相比二十多年前的柳儿,幺红嗓音依然清润甘甜极富表现力。强弱变化对比,开阖自如讲究,有一种特殊的感染力。第一幕“主人,你听我说”,唱得精致细腻温柔含蓄;第三幕“公主你冰冷的心”,更是丝丝入扣感人肺腑。现场观众无不为之动容,不觉已是泪流满面。柳儿的咏叹,那“融化坚冰”的热力温度足以触及公主原本冷硬的灵魂。

  《图兰朵》2008年首演时,吕嘉曾以旅意华人指挥家身份执棒上海歌剧院乐队歌队,2017年新任国家大剧院音乐艺术总监的他,又挂帅执棒国家大剧院管弦乐团与合唱团。这位在歌剧故乡历练多年的指挥家对音乐的处理与众不同,合唱团的强弱幅度与层次维度,也为全剧叙事抒情增光添彩。

  从2008年3月到现在,我已听过五轮演出。《图兰朵》九轮复演历久弥新,既是经典剧目的本体魅力,也是“中国制造”的特殊魅力。中国艺术家按照中国人应有的表达方式、审美习惯,重新着手中国式的设计处理、调整改良,使其越来越贴近中国故事,讲出中国的味道、中国的情怀。新的小变化与大提高,并存于每一轮的舞台呈现,带给观众耳目一新的审美感受。无论中国演员还是外国演员,通过国家大剧院版的舞台实践都会获得全新的创作经验。中国艺术家对西方经典的独特诠释,将越来越引起世界关注。国家大剧院舞台上的“中国公主”日趋完美。


( 陈志音)

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 楼主| 发表于 2017-8-17 07:23:38 | 显示全部楼层

《战狼Ⅱ》启示录(品鉴)

本帖最后由 shitu 于 2017-8-17 07:25 编辑

      

  中国观众并非不愿意看国产电影,关键在于国产电影是否能够满足观众的当下心理需求、满足观众的现实情感、创造观众的共享世界;中国电影市场也并非进入了发展的拐点,关键在于国产电影是否具备足够的品质支撑电影市场的持续上扬;电影观众并非只是资本、IP、偶像和炒作的奴隶,他们已经具备一定的识别、选择电影的能力
  
  “战狼”的话题比这个酷暑更加火热。电影《战狼Ⅱ》不仅打破了中国电影市场的最高票房纪录,远远超过了同期多部大IP、大制作的电影,一举驱散了半年多来笼罩在中国电影市场上的阴云,也继《血战钢锯岭》《摔跤吧!爸爸》等引进片现象之后,成为人们期待已久的国产现象级电影。
  《战狼Ⅱ》成为现象,自然有其“天时地利人和”的有利条件:暑期档有大量潜在的青少年观影者,“八一”建军节营造了特殊的军事节庆氛围,长时间的平淡市场积压了充分的电影消费需求……这一切都可以说是《战狼Ⅱ》得天独厚的外部优势。不过,暑期档已经发布了数十部国产电影,与《战狼Ⅱ》同期的也有多部投资规模相当,甚至影响力相当的电影投放市场,然而,只有《战狼Ⅱ》做到了出类拔萃、脱颖而出。这显然并非偶然。《战狼Ⅱ》现象的出现,不仅在于它出现在“合适”的时机,更在于它是一部“合适”的影片,它自身具备了“引爆”市场的电影实力,储满了可以点燃观众热情的燃料,形成了可以创造奇迹的条件。除了炙手可热的市场表现之外,至少在三个方面,《战狼Ⅱ》为国产电影树立了标杆。
  精益求精的制作是成功基石
  《战狼Ⅱ》是充分体现工匠精神的一流专业制作。电影是一项复杂的系统工程,从剧本到拍摄、从镜头到声音、从道具到服装、从动作到剪辑,任何环节的偷工减料、得过且过都会影响影片的综合水平。而《战狼Ⅱ》可以说在每一个方面都做到了精益求精,甚至体现出追求完美的执着。
  影片的主创人员多次表述过他们在选择道具、实地环境方面的挑剔;主演为了追求人物和动作的准确性,甚至做出了玩命般的努力。影片4000多个镜头、众多的特技画面,可以说都做到了最大限度的精细、逼真、简洁、有力。影片前段冷锋与海盗水下搏斗的场景,其调度的精确度、力量的节奏感、画面的流畅性,从一开始就征服了观众,并奠定了全片的制作标准。无论是观众早已司空见惯的枪战场面,还是难得一见的步兵大战坦克的段落,都保持了一致的制作水平,真实、新颖、生动、强烈的镜头和场面,掩盖了这个“超级英雄”故事的虚构性和情节的反常性,将观众牢牢笼罩在视听氛围中。许多评论者都认为,其制作水平已经可以与好莱坞动作片相提并论。观众也用“诚意”这样看似简单实则难能可贵的评价,肯定了创作者的专业化努力。电影创作中,也许不是每一分专业的努力都能被观众识别和认可,但是一分一分的努力,却可以整体提升电影的专业品质,让观众感受到、体验到。因此,《战狼Ⅱ》的成功,首先是一丝不苟的专业精神、工匠精神的成功。而这恰恰是许多粗制滥造或者工艺水平参差不齐的国产电影最为缺乏的。
  故事与人物的时代感是创作灵魂
  如果说一流的制作是《战狼Ⅱ》成功的基础,那么具有时代感和主流价值观的故事讲述和人物塑造,则是影片引起轰动的推动力。任何现象级的作品,都在于它不仅是工艺精良的产品,同时也在于它是能够满足大众关注、提供集体想象、激发共同情感的文化载体。好莱坞塑造的“超级英雄”是西方社会语境下的“救世主”,无论从造型到观念,还是从面对的戏剧困境到解决困境的方式,都是西方化的,其与当下中国社会环境往往都有一定的疏离感,这也是众多大制作好莱坞“超级英雄”电影并未引起中国观众普遍轰动的“文化折扣”。而《战狼Ⅱ》所塑造的“超级英雄”,却成为当下“大国崛起”背景下中国式“超级英雄”的符号,体现了代表正义和国家使命的“站起来”的中国人的自我认知。
  影片一开始,冷锋面对非法“强拆”所踢出的正义一脚,为他的“个人英雄”提供了合法性基础。在非洲的临危受命、孤军深入,则使他成为正在走向世界的华人心中的一位护卫神,给观众带来安全感、成就感、自豪感。影片将个人英勇战斗与国家撤侨行动相结合,使得个人英雄的成就感与国家强大的自豪感合二为一,最大限度地满足了中国观众的心理需求。如果没有“个人英雄”的塑造,影片难以满足大众的英雄梦想;如果没有国家强大的铺垫,则难以完成对民族认同的想象。个人英雄与国家强大的双重变奏,共同表达了影片中国式的主旋律价值,个人强则国家强,国家强则个人强。相比西方的个人英雄主义价值观,《战狼Ⅱ》更强调个人英雄与国家利益之间的融合性。这体现了影片对当下现实、当下中国民众精神需求的时代回应。古人说歌诗要为时为世而作,在这点上,《战狼Ⅱ》满足的既是当下时世中许多观众的英雄梦想,也是大国崛起的集体认同。
  类型定位和创新是接受保障
  类型化一直是电影生产和创作的重要规律。电影类型产生于对观众需求的判断和满足,类型定位其实就是产品定位,是电影与观众预期的对接。类型定位越准确,对观众需求的判断才越清晰,电影创作和制作目标才越一致。《战狼Ⅱ》坚持定位为枪战动作类型片:敌我力量悬殊的设置、硬汉英雄的塑造、英雄+美人的配置、英雄拯救的故事情节、一场接一场的枪战、一个又一个的生死危机,这一切都构成了这一类型的创作共性。在共性基础上,《战狼Ⅱ》的创新在于对意料之外情节的安排,对动作和场面的新颖设计,对细节逼真性的渲染,对悬念的揭秘等等。可以说,《战狼Ⅱ》在动作和场面的设计和表达上完全可以与好莱坞类型片媲美,其类型的完整性、完成度,在国产电影中难得一见。
  网络上也有一些评论者质疑《战狼Ⅱ》故事情节的真实性,比如一个人怎么可能打败一支军队,铁丝网怎么可能拦截火箭弹等等,但这些批评大都缺乏对电影类型假定性的认知。对于类型电影来说,逻辑的合理性远远比生活的相似性重要,正如没有人用“生活真实”的标准去要求“007”系列电影一样,我们也不能用现实真实的标准和普通情节剧的标准去要求动作类型电影。所以,类型化虽然是电影的老话题,但部分观众对类型片的假定性认知仍然不够,而且大多数国产电影的创作者对类型化规律的认知水平也很低,许多号称类型片的影片,往往都是各种类型元素东拼西凑,结果却不伦不类,真正能够理解类型假定性并且将类型规律执行到位的影片寥寥无几。从电影美学角度看,类型电影一般很难成为电影艺术经典,但却是电影作为大众文化最坚实的基础。地基不牢,地动山摇,没有坚固的基础就难以建起电影艺术的大厦。从这一点来说,《战狼Ⅱ》是中国类型电影的一个台阶,它的艺术成就并不是说有多么杰出,但却是一部完成度高、能够带给观众强烈观赏愉悦的类型电影,而且无论是与国防、军事、外交有关的部门对影片的放行,还是广大观众对影片的普遍认可,都是对电影类型观念的认同和普及,这对未来中国类型创作具有重要的突破价值。
  精益求精的制作、时代感、类型定位和创新,这三条看似简单的理由,恰恰是绝大多数国产电影创作普遍的软肋。粗糙的制作、拙劣的模仿、低俗的迎合、各种商业要素的杂交、类型桥段的拼凑、自娱自乐的煽情、脱离国情和观众的形象、缺乏动机和逻辑合理性的故事情节,这些现象在当下国产电影创作中并非个案。因此,《战狼Ⅱ》的成功,给了我们重要的启示:中国观众并非不愿意看国产电影,关键在于国产电影是否能够满足观众的当下心理需求、满足观众的现实情感、创造观众的共享世界;中国电影市场也并非进入了发展的拐点,关键在于国产电影是否具备足够的品质支撑电影市场的持续上扬;电影观众并非只是资本、IP、偶像和炒作的奴隶,他们已经具备一定的识别、选择电影的能力。
  也许,《战狼Ⅱ》奇迹般的市场热度很难复制,但是其提供的创作启示可以借鉴;《战狼Ⅱ》远非无可挑剔,但其提供的类型范例对中国电影的发展却是重要的经验积累。如果我们从一个更高的视野来看,《战狼Ⅱ》虽然在制作水平上接近甚至达到了世界水平,但是在文化价值观上仍然缺乏国际传播的共同性、共享性。
  如果影片能够注入更多对生命、对个体的人道主义精神内核,影片中的人物形象就会更丰满,影片的情感力量也会更强烈。更重要的是,只有这样,电影才能不仅是中国的而且也是世界的,中国电影才能真正把中国故事讲给世界听。



尹 鸿 (作者为清华大学教授)

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 楼主| 发表于 2017-9-21 08:06:12 | 显示全部楼层

一项巨型文化工程(作品品鉴)

本帖最后由 shitu 于 2017-9-21 08:07 编辑

——喜庆百集纪录片《百年巨匠》摄制完成




  把文艺先贤还原为鲜活的形象,讲述他们的艺术、人生和深远影响,《百年巨匠》可以说是一部视觉版的近现代中国文化史

 

  在迎接党的十九大胜利召开的日子里,《百年巨匠》创作团队自豪地宣告,经过8年艰苦奋斗,这套以110集规模摄制43位20世纪中国文艺领域杰出代表的大型人物传记纪录片终于全部摄制完成!可喜可庆!

  百集大型人物传记纪录片《百年巨匠》美术篇第一、二部已在央视和各地卫视播出多次。近日,在“百年巨匠——四十三位文学艺术大师作品展”开幕之际,《百年巨匠——梅兰芳》《百年巨匠——关山月》在央视纪录频道首播。本人先睹为快,为之激动感慨。前者透过大量存世的文献、影像资料,全面展现梅兰芳的生活及从艺经历,揭示他如何由一个“祖师爷不赏饭”的世家子弟,一步步成长为一代京剧表演艺术巨匠的人生传奇。后者展现了岭南画派旗帜性人物关山月的艺术人生。他一生饱经风雨,用艺术见证了启蒙救亡的百年沧桑,见证了一个民族崛起的历史进程。他痴心不改,将个人的创作紧贴时代脉搏,不仅为我们留下了众多珍贵的画作,也为我们留下了波澜壮阔的时代记忆。

  《百年巨匠》从2010年开始筹划,彼时为填补空白,创作团队计划创作一套完整记录12位20世纪中国美术大师的大型电视纪录片,分3部摄制,每部4人。2012年第一部摄制完成,在央视和北京卫视黄金时间播出后受到各界观众赞誉,在美术界引起热烈议论和好评,在社会上掀起了关注中国传统文化的热潮。创作团队为本片取名《百年巨匠》,是考虑到这12位美术大师引领了近百年来中国美术创作潮流,而他们活跃在中国画坛的年代正是近百年中国社会沧桑巨变的特殊时代,他们用自己的精彩人生和非凡的艺术创作写下了不朽的篇章。创作团队坚持学习习近平总书记在文艺工作座谈会上的重要讲话精神。习近平总书记指出,“中华优秀传统文化是中华民族的精神命脉,是涵养社会主义核心价值观的重要源泉,也是我们在世界文化激荡中站稳脚跟的坚实根基”,“我们要结合新的时代条件传承和弘扬中华优秀传统文化,传承和弘扬中华美学精神”。创作团队在学习中深受鼓舞,决定将原拍摄计划扩展到其他文艺领域,分为美术篇、书法篇、京剧篇、话剧篇、音乐篇和文学篇,大规模、全方位拍摄代表20世纪中国文艺最高成就的文坛泰斗和艺苑大师。

  本片创作团队在创作拍摄之初就提出“国际水准、精品意识、思想精深、艺术精湛、制作精良”的创作原则,摄制组汇集了国内纪录片界的创作摄制精英,各篇总导演均为中央电视台和中央新影集团的优秀纪录片导演。本片通过精心构思的镜头和言简意赅的叙述把逝去的文艺巨匠还原成鲜活的形象,生动地展示他们不朽的文艺作品、所处的时代背景和生活画卷,反映他们文艺生涯中对文化史有重要贡献的事件,讲述他们最具价值而又精彩纷呈的人生故事,深层次探索他们的内心世界,表现他们创作的艰辛和传承创新的精神,以及他们对近现代中国文艺产生的广泛深远影响。《百年巨匠》可以说是一部视觉版的近现代中国文化史。

  这部系列电视纪录片,大量运用巨匠们的人物和作品影像,呈现他们使用过的原物和旧居等,并巧妙组合,将他们人生重要经历进行场景再现。摄制组为此不惜工本,到国内和海外追寻他们的踪迹,现场拍摄真实场景。巨匠们生前去过的地方,摄制组能去的几乎都拍了一遍。摄制组采访人数之多,采访地域之广,在传记纪录片中可以说是创纪录的。本片还穿插了巨匠亲属、弟子、友人和后人、相关历史事件亲历者和见证者口述内容,展现了一些珍贵影像资料,不仅提供了可信的事实依据,还揭开了尘封多年鲜为人知的故事细节,而对于无法拍摄还原的特殊场景,则通过三维写意手法营造氛围和意象。

  本片形象生动而明白地告诉观众,巨匠们生活在一个沧桑巨变的时代,从清朝末年到民国初年,从抗日战争到解放战争直到新中国成立,如此巨大的社会形态跨度,对他们思想行程和文艺生涯影响至深。他们大都出身贫寒,但是具有远大的志向和理想,有着对国家的深厚情怀和对民族的强烈责任感,把个人的荣辱得失和文艺创作同祖国和民族的命运联系起来,用自己的文艺作为影响变革现实,实现理想。他们怀有远大的抱负和超凡的意志,刻苦钻研,努力创新。他们充满强烈的时代感,不仅传承中华优秀传统文化,更立足现实,从内涵到形式,从题材到技巧,都有自己的独特创造,开创近现代中国文艺事业之先河。他们既是巨匠又是凡人,既是杰出的文艺家又是谦逊的学者,艺术风格和人格魅力各具特色、丰富多彩,堪称一代楷模。本片还突出表现巨匠们自身厚重的文化功底,他们或自幼熟读四书五经,博闻强记,国学底子深厚,或对古文、诗歌、书法、收藏等下过苦功。本片还突出表现他们的人生历练。他们或走南闯北、或游学海外、或辗转飘零、或流浪颠簸,自身厚重文化和岁月历练成就了他们文艺创作的底蕴。

  本片中还出现了许多当今知名文艺家和学者,他们深入浅出地解释巨匠们不同年龄、不同阶段、不同风格代表作品,并且把许多作品联系起来解读,阐明巨匠们的文艺造诣、创作风格和美学理念以及他们为什么会成为巨匠,解读精彩动人,简明扼要。这些文艺家和学者是本片创作摄制的坚强后盾,他们不仅进行了各自独特的解读,而且参与策划和创意,提出了许多重要而中肯的建议和意见,保证了本片的学术和专业水准,反映国内外对巨匠们的最新研究成果,反映当今时代对巨匠们的理解和诠释。

  此外,本片的旁白和解说严谨恰当,简洁明快,朗朗上口,既有文学性又注重口语化,观众一听就明白,思量回味还觉得很有分量,让懂得文艺和不大懂得文艺的人都产生兴趣。

  综而观之,《百年巨匠》思想性和艺术性皆强,而且纪实性和现场感俱佳,给近现代中国文化史的研究留下不可多得的实录文献。本片格调高雅,故事精彩,人物丰满,叙述巧妙,镜头精美,可看性强。摄制组创作态度严肃认真,坚持去伪存真,没有录入无法考证的民间传说和夸大其辞的故事,没有低级趣味和低俗噱头。摄制组在贯彻执行既定创作原则上是成功的,本片堪称倾心打造的精品力作。百集《百年巨匠》全部摄制完成,仅仅是成功的开始,关键是要持之以恒地把《百年巨匠》成果运用好、发挥好,为此今后还要走很长的路。



龚心瀚(作者为中共中央宣传部原副部长)
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 楼主| 发表于 2017-10-17 08:55:51 | 显示全部楼层

歌剧《林徽因》(品鉴)

本帖最后由 shitu 于 2017-10-17 08:57 编辑

——她用一生守护美

  一个人被写成歌剧,不仅要有才华和贡献,还要有让世人感动的故事和不被世俗湮没的崇高。林徽因富有才华和才情,采掇其学术贡献和爱情生活任意一点,往往都能吸引观众的注意。但如果创作者综合驾驭能力不强,满足于边边角角的情趣,恐怕很难把这个人物写活,会给观众怅然若失、言不尽意之感。看罢中国歌剧舞剧院的歌剧《林徽因》,我获得了一种审美的舒畅感、满足感,其戏剧结构与人文之美,都堪称道。
  全剧分二幕八场,以上下阕、前后篇的布局,创造性地把林徽因的一生分成生活和学术两个部分。以往一些作品过分强调她的情感经历,以及沙龙女主人的身份,忽略了她作为一名优秀学者和杰出艺术家的人生主场。这部歌剧从林徽因病重开场,以病重结束,采用倒叙手法,由林徽因在生命最后时刻的思索展开故事,凸显了“发现美、守护美”是她一生的使命与追求,从而对这位中国近代著名才女,以及与她有交集的民国知识分子群体的人生悲欢,进行了多维度、多侧面的激情咏叹。
  可以说,歌剧《林徽因》最大程度上呈现人物的本来面目,使林徽因的人生展现得更饱满,形成具有复调结构的跌宕多致。丰富的情感历程、敏锐的思维特质和性格特色,以及有韧性、有强度的学术坚守,彼此相连,贯彻始终,塑造了林徽因的人物形象。
  第一幕第一场是《长夜》。病床上,林徽因仍在为不能保住老北京的城墙而忧心,甚至不肯吃药,责怪自己的丈夫梁思成“你为什么不争”。梁则激动、心疼、无奈地辩解:“城墙……城墙总有一天会倒的,你这样坚持,又有什么意义呢?”展现出一部正剧的悲悯气质,这一气质贯穿全剧始终,形成一种特殊的审美意趣。
  这一幕是梁、林人生中不可或缺的篇章。但是如果全剧仅仅沿此展开,未免显得单调枯燥,观众看起来就太辛苦了。于是,第二场《太太的客厅》,第三场《剑桥》,第四场《宾大》相继而来,林徽因青春生命的花朵次第绽放,那些富有时代感的一个个丰满的生命个体,让我们看到了各种各样的精彩。整个剧情,从紧张忧虑、沉重无奈,进入到智慧碰撞、舒缓浪漫的轻松乐章,全都为核心人物的成就、性格与命运埋下伏笔。第三场《剑桥》采用舞台蒙太奇的手法,徐志摩、张幼仪、林徽因以三重唱的形式并置出现,简洁且富有美感,具有戏剧的张力和说服力。第四场给梁、林一生成就与感情生活的起点,做了舒张有致令人信服的铺叙。《摩登时代》《默契》《一半》等唱段,充满心灵碰撞的节奏感,很好传递那个时代的气息,梁、林学术的追求、情感的纯真以及生命中“你中有我,我中有你”的默契,演绎得好听、好看,引人思考。
  第二幕的四场分别是《佛光寺》《李庄》《国徽》《梦境》,处理更加大胆、细腻。《佛光寺》一场,作者凭借对古典建筑与佛教文化的理解,把这一段落与第一幕中的铺垫贯通起来,让人感到命运的力量。让林徽因与跨越千年的佛光寺供养人联系起来,通过历史与现实、生命与艺术的对话,领受到机遇、使命与担当的巨大法喜。林徽因分身为阿弥陀佛、释迦佛、弥勒佛,众菩萨,众金刚罗汉,或拈花微笑,或齐声高唱,或手舞足蹈,简直是此剧的神来之笔,建构起场景合、心理合、命运合、性格合的妙境。咏叹调《法喜》也唱出全剧的高潮。然而,就在梁、林考察佛光寺,发现被日本人认定已不可能存在的唐代建筑时,枪炮声响起,七七事变爆发。生活本身的跌宕巨变超过一切戏剧的设计。他们奔赴李庄,既在真实的时间上与佛光寺直接相连,又展示了一种生命与际遇的巨大无常。
  结束李庄之行后,他们回到京城。几年之后,设计共和国国徽的重任落在梁、林的肩上,这是无上的光荣。即使是展现这种光荣,这部歌剧也融入了对生命的思考。第二天就要交稿了,林徽因仍然不能容忍任何瑕疵的存在,她坚持要重画,坚持“美就对了”,坚持“国家不能因我而不美”。这一精神,贯穿到后面的《梦境》,并回应了第一场《长夜》,让梁、林的生命焕发出追求真理的光辉。
  生命最后,林徽因依然在守护美,守护古老的北京城。守护的过程不仅强调了这种美,而且形成了一种更为崇高的美。从蔡元培、鲁迅先生开始,很多人就一直感叹中国缺少悲剧,缺少悲剧的崇高。但歌剧《林徽因》给我们展现了一种在中国戏剧舞台上少见的悲剧崇高美。这种美,让人沉静,更给人以力量,给人以启发。



( 王洪波)
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 楼主| 发表于 2017-11-23 06:36:39 | 显示全部楼层

笙的美学精神(品鉴)

      


  回望笙这件古老乐器3000年的历史,几乎和中华民族的文化命运休戚相关。从齐宣王三百笙竽的旷世绝响,到魏晋时期《笙赋》里依稀浮现的礼乐光芒,再到竽在大唐盛世黯然退场,只留下一攒玉笙在南唐宫阙里优雅而神伤……风雨飘摇的岁月里,笙箫寂寞,无以言说;今天我们再度关注笙,那金声玉振的小小笙簧和刚直劲节的紫竹笙苗,仿佛带我们重回那个黄金时代。

  我与笙结缘41年,对它的感情也由恨到爱,太多问题牵引着我。我尝试背对现实往回摸索,看看笙这种乐器在历史的面纱后本初的样子。在古籍的只言片语里,在历代诗词歌赋中,我试图连接和勾勒,像蜘蛛修补着一张破碎的网。和笙有关的很多文字,虽是第一次见到,但并不陌生,因为那些对笙的赞美里,充满了对人性的追求。

  就这样,我慢慢地领悟到笙在古代的四种精神——“和”“德”“清”“正”。

  “和”是一个古老而博大的美学范畴,也是笙的前身。殷商时期,甲骨文的“和”就已经出现,左边表示形,如同笙的样子,右边的“禾”字表示读音。“和”并不是一个单纯的符号,而是取象于笙这件和谐共鸣的乐器。“笙,生也,象物贯地而生也。”作为乐器的“笙”,通“生长”的“生”,有万物生发的意思。笙斗就像大地,簧片像种子,笙苗就像生长出来的万物。当我们演奏笙的时候,一呼一吸好似一阴一阳,与《道德经》的“万物负阴而抱阳,冲气以为和”殊途同归。这说明了笙与道家文化“天人合一”观念的同一性。《齐物论》中讲到了“地籁”“人籁”“天籁”三位一体的和谐观念,“籁”字也是笙的名字。许慎《说文解字》中说:“籁,三孔龠也。大者谓之笙。”笙发音,气振簧鸣,气停音止,恰恰蕴藏着天地间万物欢歌的含义。

  “和”的另一种特性是圆融。笙可以中和那些个性鲜明的民族乐器,如唢呐、二胡、琵琶等。这些乐器独奏的时候,往往能给人留下深刻的印象,但在合奏的时候,若个性过分夸张,反而让彼此间无法交融。有了笙,这种问题就能得到一定程度的缓解。因为笙的每一个音,都用两个以上的音组合起来演奏。这种多音组成的传统和声具有很宽的泛音频谱,可以补偿合奏中缺失的频段,让音乐听起来更加丰满圆融。

  笙的第二重精神是“德”。在很长一段时间里,我曾觉得自己学错了乐器。二胡的滑音,唢呐的嘹亮,鼓的高亢,《十面埋伏》里一把琵琶就能演绎出千军万马,这些音乐表达对于笙来说,都是望尘莫及的。笙是簧片乐器,这种发音原理决定了它的局限性。直到我后来读到了晋朝潘岳的《笙赋》,《笙赋》形容笙的音色“直而不居,曲而不兆,疏音简节,乐不及妙”,意思是,笙奏出的音乐虽然直接但不僵硬,可以委婉但决不谄媚妖娆,这种疏朗简洁的艺术魅力,是其他乐器所无法比拟的。这让我联想到《论语》里“乐而不淫,哀而不伤”的节制之美。笙的音乐之美,恰恰是庙堂之气与君子之义的绝佳表现:喜不必得意忘形,悲不必哭天抢地。中国古代士大夫阶层习惯用一种有节制的优雅姿态来抒发内心的感情。这种细腻而深刻的处置,或许就是我们祖先面对无常人生的淡定和从容。

  笙的第三重精神是“清”。“清”是中国独有的美学概念。清朝《灵芬馆词话》里形容姜夔的词如“瘦石孤花,清笙幽磬”,唐代《游春台诗》中亦有“凤凰三十六,碧天高太清”。这里的凤凰,指的就是笙。大概在18世纪时,笙通过一个法国传教士传到欧洲,在那之后产生的手风琴和口琴却没有什么清的音色。原因在于笙的结构。至少1000年前,笙片就有了一层用五音粉做的防锈涂层,演奏时,涂层也在震动,细小的铜粉和石粉也在摩擦共振,于是产生了类似于管风琴的声响。

  “正”是笙的第四重精神。从《周礼》中可知,笙师原是一个官名,被誉为“五音之长”。小型民族乐队、大型民族管弦乐团,甚至“丝绸之路”乐团,大都由笙来校定音准。在为笙校音时,要进入一种极为平静的状态,观察音与音之间是否相和,簧片在呼与吸之间是否平衡,找到一种最大限度的和谐——这样一攒笙调下来,通常要几个小时。这同时是一个正心调性的过程。经过深度沟通之后,人与笙之间的距离更近,达到一种合二为一的状态。心无挂碍,人器合一,只听到那“中正平和”的笙音,带着我们深深地向往飘散到无边的天际。

  大音希声,大象无形。简单的音乐,或许可以唤起你内心的平静。就像茶与酒的关系,没有茶,酒会变得相对浮躁,过于粗犷。可如果没有酒,过于冷静,则少了一份冲动的喜悦。激烈的音乐刺激,缓慢的音乐动人。激烈的音乐只要重复一个技术,添加丰富的和弦色彩,以及矛盾和情绪的冲突,就可以营造出五光十色的音乐世界。但缓慢的音乐,必须要投入全部灵魂,每一分每一秒都需要高度专注,这样才能拥有连绵不断的气韵,才能与听者心心相印,进入深度欣赏和聆听的状态,如同身心得到一次洗礼。

  笙的“和”“德”“清”“正”是一种美学精神,也是中国人的生存方式。这不但是祖先留给我们的精神财富,也是中国的先民对人类文明做出的伟大贡献。

笙的美学精神(品鉴)


吴 彤  (任姗姗整理自作者在“兰亭若耶音乐雅集”上的讲演)

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 楼主| 发表于 2017-12-7 07:26:08 | 显示全部楼层

新编剧如何成为经典(品鉴)

本帖最后由 shitu 于 2017-12-7 07:27 编辑

——《曹操与杨修》的启示

      
  传承版《曹操与杨修》剧照。

  日前,上海京剧院的传承版《曹操与杨修》在京首演。当年,著名京剧艺术家尚长荣主演的《曹操与杨修》,曾引发京城学子轰动;如今,尚长荣又将他担任艺术指导的传承版献给北京戏迷。一部新编历史剧,能够像经典剧目一样长演不衰、历久弥新,在戏曲界是很难得的。《曹操与杨修》能给我们一点启示。
  
  
  创作于1988年的京剧《曹操与杨修》已经盛演近30年。在长期演出中,上海京剧院精益求精、反复修订,不但让这部新编作品获得南北观众的广泛认同和热情赞誉,也引发对“京剧现代化”理论的持续探索;不但在上世纪末期使戏曲“在危机中看到生机”,树立起艺术自信的力量标识;也为中国文艺创作进入新时代后戏曲的持续发展,扬起艺术自觉的实践风帆。尤其是该剧作为“尚长荣三部曲”的组成部分,被青年一代全面掌握而获得演出成功,进一步证明当代经典的创作方法在戏曲传承发展中的独特价值。
  历史剧需要戏剧创作者从源远流长的历史中找到适合戏剧表达的故事情节,更要在艺术剪裁时发现足以贯穿古今的镜鉴史识。一部优秀的历史剧能够引发跨时空的情感与思想共鸣,正来源于戏剧工作者对于历史、生命、人性的深度认知。历史剧不仅仅满足于对历史的回顾与呈现,也不仅仅满足于对当下的回应与警策,更要预见到对社会人生未来发展的引领。《曹操与杨修》正是这样一部作品。
  该剧的叙事紧密聚焦于人的成长与异化,以及在这个过程中的痛苦、欣悦、彷徨等诸多情感体验。有着丰富内心世界的生命个体在谎言与真实中的选择、基于社会身份而进行自我保护与情感涅槃的两难抉择,恰恰是这部作品在30年间甚至更长远的时间里一直能够成为理解民族心理和文化性格的艺术样本的原因。不论是寄寓鲜明道德判断的白脸与俊扮,还是凸显理性评价的初心与真情,都将历史形象类型的真实性与艺术表达中情感心理的真实性,做了最妥帖的融合。它一改京剧乃至中国戏曲在表达历史文化传统时脸谱化、传奇化的舞台表现,成了现代中国在面对历史与发展时进行艺术人文思考的生动载体。
  透过《曹操与杨修》的现代性表达,可以看到有着千百年历史的戏曲艺术,承载的“现代化”使命仍然任重道远。戏曲的现代化不只是让戏曲老旧的形式与内容寻找到与时代的共感通识。基于类型化的行当表演和演义化的故事叙述,中国戏曲的历史题材更多地在告诉观众:历史是这样的,历史是可以这样的;却往往不能深刻解答:历史为何是这样的,历史为何可以这样。通过历史叙述揭示数千年绵延至今的文化基因和传承奥妙,则是更高奢望。《曹操与杨修》在表达这样深刻的现代理性之时,始终用戏曲重诗情、重写意、重趣味的艺术手段,营造戏剧冲突,塑造人物形象,剧中不单有曹操、杨修两个极具文化概括力的艺术新形象,而且有令人赞叹的“忆往事”“杀妻”“走马猜诗”等诸多场面创设,还有在今天看来仍能激发观众兴味的多段声情并茂的唱段。30年来,《曹操与杨修》在任何一个城市演出总能够引发对于京剧和中国戏曲的剧场热情与文化思考,体现出思想精深、艺术精湛、制作精良的当代创作理想。
  《曹操与杨修》通过艺术的厚度接通现代情感深度与人文思想高度,不但为历史剧创作提供重要经验,让京剧乃至中国戏曲古典风格得到延续;同时也为戏曲其他题材类型提供宝贵借鉴,启发着包括传统戏整理改编、现代戏新编、小剧场实验等在内的戏曲创作。事实上,在近40年创作中,诸多戏曲剧种也产生了一大批专家认可、观众喜欢、社会效益良好的优秀作品。但由于诸多因素,很多优秀作品往往止步于创演时期的水准,并没有进行持续的艺术再提升,远没有获得与其创作成绩相一致的认知度。它们理应像《曹操与杨修》一样,被打磨成足以代表当代艺术新成就的经典,这是戏曲工作者乃至接受者的共同责任。
  由年轻的戏曲工作者演出的“传承版”中,身为传戏者的尚长荣先生,依然不断进行艺术深化,这成为中青年后继传承者们最好的行为示范。《曹操与杨修》从一个并不尽善尽美的剧本,经过上海京剧界集体打磨,最终常演常新,鲜明体现戏曲团队集体创造精神。这为中国戏曲其他剧种的创作者们提供了宝贵经验:戏曲经典是接力传承的艺术结晶,不断寻求戏曲现代化创造是对待戏曲祖产的最好方式。




王 馗 (作者为中国艺术研究院戏曲研究所所长)

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